Dentre as várias teorias presentes neste campo da especulação filosófica, destacam-se as ideias do filósofo alemão Immanuel Kant que muito contribuiu para os estudos no âmbito da estética. Nesse sentido, o escrito em pauta tem por finalidade esboçar o percurso realizado por este pensador sobre a Estética, abordando as relações existentes entre sua teoria da arte e a questão do esclarecimento, eixo central de seu projeto filosófico.
Os princípios fundamentais da estética kantiana, são:

O ensino de Arte foi incluído no currículo escolar pela LDB de 1971, com o nome de Educação Artística, ainda como “atividade educativa” e não como disciplina. Em 1988, ano da nossa atual Constituição Federal, em meio a discussões sobre educação, sofreu ainda riscos de ser excluída do currículo escolar, fato que levou educadores da área a organizarem manifestações a fim de garantir a permanência do estudo das artes nas escolas.Finalmente, com a atual Lei de Diretrizes e Bases, foram revogadas disposições anteriores e a matéria “Artes” foi reconhecida como disciplina, tendo seu ensino se tornado obrigatório na educação básica, conforme dispõe o parágrafo 2º do artigo 26: O ensino da arte constituirá componente curricular obrigatório, nos diversos níveis da educação básica, de forma a promover o desenvolvimento cultural dos alunos.
O principal objetivo do ensino da Arte, segundo a Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDB), é:

Para um bom aproveitamento do conteúdo, a BNCC recomenda que o conhecimento de artes seja interativa, Ou seja, envolvendo criação, leitura, produção, construção, exteriorização e reflexão sobre o material apresentado, entendendo a arte como um processo de conhecimento dos alunos da complexidade do mundo, favorecendo o respeito e promovendo a cidadania. Além das linguagens, o BNCC propõe as seis dimensões do conhecimento, cujo objetivo é superar o conhecimento conteudista necessário das linguagens e inserir o aluno no contexto social e cultural. Essas dimensões não se trata dos “eixos temáticos ou categorias, mas de linhas maleáveis que se interpretam, constituindo a especificidade da construção do conhecimento em Arte na escola.”
De acordo com a BNCC, quais as linguagens artísticas abordadas no ensino da Arte:

"As novas tendências que floresciam com as vanguardas, grande período de experimentação do início do século XX, deram aos artistas brasileiros a possibilidade de trabalhar com novas linguagens, novos materiais e novas propostas, a fim de renovar a arte nacional. Mas, diferente do Parnasianismo, não houve uma incorporação completa dessas estéticas – não se importou para o Brasil o cubismo ou o expressionismo em busca de se desenvolver aqui uma escola análoga."
Dos artistas abaixo relacionados, qual não participou da Semana de Arte Moderna:

A Semana de Arte Moderna se insere nos movimentos políticos e sociais da década de 1920 no Brasil, como o tenentismo e a organização dos trabalhadores. Seus antecedentes estão nas duas décadas anteriores, quando artistas e intelectuais brasileiros egressos da burguesia ou ligados à elite paulista passaram temporadas na Europa e aí travaram contato com as ideias resultantes da Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Sob a designação de modernismo, tendências vanguardistas como dadaísmo, futurismo, cubismo, expressionismo e outras pretendiam romper com a arte tradicional e introduzir padrões mais livres para a criação artística.
O principal objetivo da Semana de Arte Moderna foi:

O romance “Tardes d'estiu” também alude à preocupação social do jovem artista (ou pelo menos do personagem chamado o Exaltado): […] “O capitalismo nos explora miseravelmente, dizia levantando os braços e gritando com toda a força de seus pulmões -. A burguesia nos tem como escravos, tiranizados como bestas, como seres inferiores. Porém todas estas baixezas, humilhações e injustiças sociais, se acabarão logo. Em todas as partes do mundo o proletariado, consciente de seus direitos, cansado de tantas vergonhas e baixezas, se arma e se organiza sob a bandeira vermelha dos Soviets, dispostos a todo o momento a conquistar pela força, pela violência, o que de bom grado, o que por justiça lhes corresponde e não lhes querem dar”.
A obra supra citada é de autoria de:

O Homem que Caminha (1961), é uma das esculturas mais icônicas do modernismo e um símbolo universal da condição humana. A peça apresenta uma figura masculina esguia e alongada, em pleno movimento, como se estivesse caminhando sem destino. O corpo é reduzido ao essencial, sem detalhes realistas, mas carregado de expressividade.
O artista conhecido por suas esculturas de formas alongadas, como 'O Homem que Caminha, e:

A rejeição ao efeito ilusionista na pintura, bem como a insistência na natureza física do plano pictórico expressavam, para Greenberg, uma característica marcante da pintura francesa desde meados do XIX, mas Picasso teria sido um artista incomparavelmente sensível para perceber sua época e seu meio e, por isso, teria chegado a um movimento que efetivamente teria rompido com a aparência da natureza. Este estilo de pintura foi a primeira a ilustrar, se não a incorporar, a nova concepção da matéria como algo que deve ser reduzido, para a finalidade das artes plásticas, às duas dimensões; ela nos deu a nossa primeira visão de um objeto aberto, permeado pelo espaço e permeando o espaço.
O texto faz referência ao movimento artístico denominado, de:

Surgido na França na década de 1860, valorizava a sensação de luminosidade e movimento na natureza. Os referidos artistas utilizavam pinceladas soltas e vivas cores para capturar a luz e o movimento dos objetos em sua obra, dando particular ênfase às variações de luz e sombra. Os principais representantes do Impressionismo incluem Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas.
Que movimento artístico conhecido por suas pinceladas rápidas e ênfase na luz e cor, surgiu na França no século XIX:

A trajetória artística de Anita Malfatti (1889-1964) foi desenhada a partir de dicotomias que fizeram dela uma das mais complexas e interessantes da história da arte brasileira. Entre questões práticas e espirituais, vivendo momentos de conflito e de superação, com dificuldades financeiras e inquietudes sobre sua arte, transitando entre a vanguarda e a tradição e tensionada entre o nacional e o universal, Anita sofreu duros questionamentos no ambiente artístico paulista da primeira metade do século XX.
Das obras abaixo, é de autoria da Anita Malfatti: