«La passion Van Gogh»: les derniers jours du peintre dans un chef-d’oeuvre d’animation

AFP / Publié le mercredi 11 octobre 2017 à 10h10

Le pari était osé mais le résultat est époustouflant: dans «La passion Van Gogh», dans les salles belges le 1er novembre, 130 toiles de Van Gogh prennent vie pour retracer les derniers jours du peintre dans un film aussi envoûtant qu’haletant.

Cette production est née d’un rêve de Dorota Kobiela: combiner son amour pour la peinture avec son travail dans l’animation. La réalisatrice polonaise projetait de faire un court métrage mais son mari, le producteur britannique Hugh Welchman, associé à l’aventure, l’a convaincue d’en faire un long.

Entièrement animé à la peinture à l’huile, à la manière du maître et épousant avec minutie son inimitable style coloré, le film bascule dans d’extraordinaires séquences de flash-back en noir et blanc lorsque le passé du génie néerlandais s’invite dans le récit.

«La passion Van Gogh» fonctionne comme un tableau géant – au format 4/3 – que cet artiste incompris de son vivant aurait peint et modelé sans discontinuer devant les yeux des spectateurs durant 94 minutes.

Très écrits, les dialogues ont été inspirés par la lecture de plus de 800 lettres rédigées par Van Gogh à ses amis et à sa famille, la plupart à destination de son frère Théo.

L’intrigue, mêlant pure fiction et faits historiques, repose sur ce courrier disséqué par les deux cinéastes, qui se sont concentrés sur les ultimes instants de l’artiste.

Dans une dernière missive adressée à son frère, écrite quelques jours avant sa mort, Vincent écrivait: « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux».

65.000 plans

L’histoire débute un an tout juste après le décès du peintre – le 29 juillet 1890 – avec l’arrivée à Auvers-sur-Oise, où Van Gogh a rendu son dernier souffle, d’un jeune homme nommé Armand Roulin.

« L’hommage est magnifique parce qu’on rentre dans les peintures de Van Gogh», salue l’acteur Pierre Niney, qui a prêté sa voix à Armand Roulin pour la version française.

Façonnés en Pologne et en Grèce durant sept années, les 65.000 plans – tous peints à la main – ont mobilisé une centaine d’artistes du monde entier.

(Adapté de: <https://www.rtbf.be/culture/cinema/detail_la-passion-van-gogh-les-derniers-jours-du-peintre-dans-un-chef-d-oeuvre-d-animation?id=9732182>.)

Era uma vez um lobo vegano que não engolia a vovozinha, três porquinhos que se dedicavam à especulação imobiliária e uma estilista chamada Gretel que trabalhava de garçonete em Berlim. Não deveria nos surpreender que os contos tradicionais se adaptem aos tempos. Eles foram submetidos a alterações no processo de transmissão, oral ou escrita, ao longo dos séculos para adaptá-los aos gostos de cada momento. Vejamos, por exemplo, Chapeuzinho Vermelho. Em 1697 – quando a história foi colocada no papel –, Charles Perrault acrescentou a ela uma moral, com o objetivo de alertar as meninas quanto às intenções perversas dos desconhecidos.

Pouco mais de um século depois, os irmãos Grimm abrandaram o enredo do conto e o coroaram com um final feliz. Se a Chapeuzinho Vermelho do século XVII era devorada pelo lobo, não seria de surpreender que a atual repreendesse a fera por sua atitude sexista quando a abordasse no bosque. A força do conto, no entanto, está no fato de que ele fala por meio de uma linguagem simbólica e nos convida a explorar a escuridão do mundo, a cartografia dos medos, tanto ancestrais como íntimos. Por isso ele desafia todos nós, incluindo os adultos. [...]

A poetisa Wislawa Szymborska falou sobre um amigo escritor que propôs a algumas editoras uma peça infantil protagonizada por uma bruxa. As editoras rejeitaram a ideia. Motivo? É proibido assustar as crianças. A ganhadora do prêmio Nobel, admiradora de Andersen – cuja coragem se destacava por ter criado finais tristes –, ressalta a importância de se assustar, porque as crianças sentem uma necessidade natural de viver grandes emoções: “A figura que aparece [em seus contos] com mais frequência é a morte, um personagem implacável que penetra no âmago da felicidade e arranca o melhor, o mais amado. Andersen tratava as crianças com seriedade. Não lhes falava apenas da alegre aventura que é a vida, mas também dos infortúnios, das tristezas e de suas nem sempre merecidas calamidades”. C. S. Lewis dizia que fazer as crianças acreditar que vivem em um mundo sem violência, morte ou covardia só daria asas ao escapismo, no sentido negativo da palavra.

Depois de passar dois anos mergulhado em relatos compilados durante dois séculos, Italo Calvino selecionou e editou os 200 melhores contos da tradição popular italiana. Após essa investigação literária, sentenciou: “Le fiabe sono vere [os contos de fadas são verdadeiros]”. O autor de O Barão nas Árvores tinha confirmado sua intuição de que os contos, em sua “infinita variedade e infinita repetição”, não só encapsulam os mitos duradouros de uma cultura, como também “contêm uma explicação geral do mundo, onde cabe todo o mal e todo o bem, e onde sempre se encontra o caminho para romper os mais terríveis feitiços”. Com sua extrema concisão, os contos de fadas nos falam do medo, da pobreza, da desigualdade, da inveja, da crueldade, da avareza... Por isso são verdadeiros. Os animais falantes e as fadas madrinhas não procuram confortar as crianças, e sim dotá-las de ferramentas para viver, em vez de incutir rígidos patrões de conduta, e estimular seu raciocínio moral. Se eliminarmos as partes escuras e incômodas, os contos de fadas deixarão de ser essas surpreendentes árvores sonoras que crescem na memória humana, como definiu o poeta Robert Bly.

(Marta Rebón. Disponível em: <https://brasil.elpais.com/brasil/2018/09/18/eps/1537265048_460929.html>.)