“Em 1928, utilizando-se das idéias de Nordaus, o arquiteto e teórico racista Paul Schultze-Naumburg publica o livro “Kunst und Rasse “(Arte e Raça), no qual aparece pela primeira vez a associação da arte moderna com o termo entartet (degenerado). (…) A campanha nazista contra a arte moderna começa com a tomada de poder. Em 1933, Hitler fecha a Escola Bauhaus e e promove a primeira exposição difamatória da arte moderna em Karlsruhe e Mannheim. (…) Mais de 16.500 obras de arte consideradas degeneradas são confiscadas, muitas das quais foram destruídas ou perdidas. Obras de valor – como Auto Retrato(1888) de Vincent Van Gogh (1853 - 1890) ou Acrobata e Jovem Arlequim (1905), de Pablo Picasso (1881 - 1973) - são vendidas num leilão em 1939 na Galeria Fischer, em Lucerna, Suíça, e revertidas em divisas para os nazistas.
(Adaptado de http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo328/artedegenerada)

A alternativa relacionada aos artistas citados no fragmento acima é:

Um professor iniciou a aula de artes em uma turma de ensino fundamental apresentando um elemento visual que em diferentes obras artísticas dirige a atenção dos estudantes com várias possibilidades de modulação a partir de intervalos e também do efeito simultâneo rítmico da relação espaço- tempo. O elemento básico nesta caracterização é a(o):

A escultura David, uma das obras mais famosas da história da arte, apresenta pequenas fissuras na parte inferior de suas pernas. A causa é a sua própria inclinação, que poderia colocar em risco a integridade da própria escultura. O estado da escultura foi revelado em um estudo realizado em conjunto pelo Conselho Nacional de Pesquisa da Itália e a Universidade de Florença e divulgado pelos meios de comunicação italianos. Os responsáveis por essa análise assinalam que a inclinação da obra é de 5 graus, e que essa é a causa de que o mármore de seus tornozelos esteja sendo avariado.

(Adaptado de https://brasil.elpais.com/brasil/2014/05/01/cultura/1398970684_090191.html)

Sobre este trabalho é possível dizer que a autoria é de :

Observe a imagem abaixo:

A proposta do educador espanhol Fernando Hernández surge como um importante subsídio para uma nova narrativa que envolva projetos de trabalho e o uso de imagens na sala de aula. O exemplo acima, sobre representação do corpo na arte, evidencia a abordagem de Hernández denominado (a):

“Cabe ao arte-educador, como membro integrante da comunidade escolar, desenvolver e manter seu olhar inclusivo atento contra as exclusões. Isto porque a escola é, se não o principal palco onde situações de exclusão acontecem, certamente, uma arena fundamental. E, se ali acontecem exclusões, é porque podem acontecer também as contrapartidas: práticas inclusivas. Dado que a arte é o que nos abre para diferentes possibilidades, que caminhos melhores que o da arte-educação para promover culturas, profissionais e avaliações inclusivos? (SANTOS, Mônica Pereira dos. Educação artística e inclusão: possíveis interseções. In: Educação, arte, inclusão. Caderno de textos 3. FUNARTE: Programa Arte sem Barreiras, 2002).
Na relação entre ensino de arte e educação especial, quanto ao preparo profissional, algumas características gerais parecem essenciais, dentre outras:
I. descrição, recriação, classificação, construção e interpretação. II. criatividade, competência, experiência, investigação e crítica. III. sistema, código, signo, significado e repertório. IV. fruição, autoria, expressão, parceria e parâmetro.
Pode-se dizer que está correto o que se afirma apenas no(s) item(itens):

“Quando o aluno observa obras de arte e é estimulado e não obrigado a escolher uma delas como suporte de seu trabalho plástico a sua expressão individual se realiza da mesma maneira que se organiza quando o suporte estimulador é a paisagem que ele vê ou a cadeira de seu quarto (…) O importante é que o professor não exija representação fiel, pois a obra observada é suporte interpretativo e não modelo para os alunos copiarem. Assim estaremos ao mesmo tempo preservando a livre expressão, importante conquista do modernismo que caracterizou a vanguarda do ensino da arte no Brasil de 1948 aos anos setenta, e nos tornado contemporâneos” (BARBOSA, Ana Mae. A imagem no ensino da arte. SP/Porto Alegre: Perspectiva/Fundação Ioschpe, 1991).
O fragmento citado menciona a sistematização de um termo conceitual oriundo da prática do trabalho no Museu de Arte Contemporânea da USP e posteriormente disseminado em práticas artísticas escolares no Brasil a partir da década de 1990. O termo é denominado:

“Como exigir de um aluno que pinte o tronco da árvore de marrom e as folhas de verde para ficar bonito se os artistas modernos já descontruíram essas visualidades?” (IAVELBERG, Rosa. Ensino de arte. SP: Thomson Learning, 2006). Esta indagação sugere que o seguinte repertório deve fazer parte da formação do professor, para que ele não seja superado pelas visualidades criadas pelos alunos, julgando-os sem critérios adequados à atualização na área de conhecimentos sobre:

Fazendo uso da memória, imaginação e observação, as crianças começam a se comunicar através de desenhos antes mesmo de qualquer escrita. Assim, garatujas expressam seu processo emocional, psíquico e físico, com tendência a se tornarem mais representativas e significativas ao longo do tempo. Sobre o desenvolvimento relacionado à prática específica do desenho, é correto afirmar que

Por definição, criatividade é a capacidade de criar ou inventar. Ser criativo é um potencial próprio do ser humano e uma maneira de realizar ou materializar esse potencial é através da arte. Sobre as relações entre criatividade e processos de criação artísticos, assinale a alternativa INCORRETA.

Sobre a história do ensino da Arte no Brasil, analise as assertivas e assinale a alternativa que aponta as corretas.
I. O ensino da Arte no Brasil começou oficialmente no século XIX, após a vinda da família real portuguesa e a transferência da capital do império luso para o Rio de Janeiro, e implantou-se de acordo com os modelos europeus. II. Após a Proclamação da República, a Academia Imperial de Belas-Artes passa a ser chamada de Escola Nacional de Belas-Artes e se mantém voltada para a classe média e elite, com foco nas produções acadêmicas, apesar das vanguardas que já efervesciam na Europa no final do século XIX. III. A Semana de Arte Moderna não abalou o rumo do ensino da arte que vinha sendo proposto pela Escola Nacional de BelasArtes,o qual se manteve firme em seus moldes e tradições até os dias atuais. IV. A pedagogia proposta pela Escola Nova incentivou o ensino da arte a se afastar da ideia de cópia de modelos e contribuiu para que o olhar se voltasse para a criatividade e expressão, a fim de respeitar a individualidade do aluno.